Escrito por Eduardo Quispe

LO ECONÓMICO
Es inconcebible que en un país donde el sueldo mínimo (S/. 550) sea una cuarta parte de la canasta familiar (S/. 2,112), donde el presupuesto para la educación sea menos del 3% del PBI, donde no exista una Escuela de cine, que anualmente los estrenos comerciales de películas nacionales no llegue a dos dígitos, con un público alejado (más bien decepcionado) de las salas al tratarse de una película peruana, con una cartelera y programación de señal abierta saturada de estupidizantes producciones de Hollywood y similares, y que no exista una política clara de apoyo a la producción, distribución y exhibición de películas alejadas del criterio de CONACINE, se piense en crear una industria cinematográfica.

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Fragmento de También los enanos empezaron pequeños (1970), de Werner Herzog.

El fracaso del cine convencional alemán desplaza por fin la base económica a una de las posiciones intelectuales generalmente desestimadas. De este modo, el Nuevo Cine tiene la posibilidad de llegar a vitalizarse. Cortometrajes alemanes de jóvenes autores, directores y productores, recibieron en los últimos años- un gran número de premios en los festivales internacionales y fueron reconocidos por parte de la crítica internacional. Estas obras y sus consecuencias demuestran que el futuro del cine alemán está en aquellos que han demostrado hablar un nuevo lenguaje cinematográfico. Como en otros países, también en Alemania el cortometraje se ha convertido en escuela y campo experimental para el largometraje. Nosotros manifestamos nuestra pretensión de crear un Nuevo Cine alemán. Este Nuevo Cine necesita nuevas libertades. Libertad frente a los convencionalismos usuales de la profesión. Libertad con respecto a las influencias de socios comerciales. Libertad con respecto a la tutela de ciertos intereses.

Nosotros tenemos, con respecto a la producción del Nuevo Cine alemán, ideas concretas de tipo intelectual, formal y económico. Estamos dispuestos a soportar riesgos económicos en común.

El Viejo Cine está muerto. Creemos en el Nuevo.

Oberhausen, 28 de febrero de 1962.
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Wes Anderson es uno de los nuevos directores del mainstream americano al que se le puede llamar autor ya que se involucra personalmente en cada área de sus obras. En esta ocasión, a nosotros nos interesa la meticulosa armonía que le da a los colores.

La paleta de color nace del hecho de tener conciencia sobre su existencia. Mucho se ha escrito sobre las armonías del color desde Munsel pasando por Johannas Itten, hasta el maestro actual Shigenobu Kobayashi. Esto suele pasarse por alto en producciones independientes debido a que se estén utilizando locaciones y vestuarios naturales, que se eligió el blanco y negro, que el rodaje sea muy guerrillero o que no haya Dirección de Arte o Fotografía. Sin embargo, la elaboración de paletas de color no depende de altos presupuestos, se pueden planificar de manera simple y eficiente.

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Escrito por Eva Sancho Rodríguez*

A estas alturas, debemos estar un poco cansados en Europa de escuchar cómo la nueva tecnología está cambiando todo. La buena noticia es que gracias a las cámaras digitales, DVD’s e Internet el acceso a la producción y distribución de películas es más fácil que nunca. Pero estas voces de optimismo inevitablemente son contrarrestadas por advertencias: pérdida de los derechos de autor, disminución del valor de las películas, falta de consenso sobre hacia dónde se dirige el cine. Mientras tanto, a pesar de esta confusión generalizada, una generación joven esta alcanzado su madurez. Para estos oriundos del digital, jovenes que han crecido con las nuevas tecnologías, todos estos problemas son ajenos.

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La película está dividida en dieciocho segmentos/ejecuciones, dieciocho amplios movimientos de cámara (planos-secuencia que son pequeñas road-movies), separados los unos de los otros por largos planos fijos sobre los cadáveres. (…) ‘Elephant’ es un gesto cinematográfico radical, una road-movie estilizada, abstracta y conceptual, que denuncia la extrema banalización de la violencia, la gratuita, la cotidiana. Visualmente apabullante (magistral sentido del encuadre, preciosa fotografía), es este un grito mudo sin una línea de diálogo (…), una despiadada y visceral caligrafía de la violencia, aquel problema tan tabú como omnipresente; el ‘elefante en la sala de estar’ que nadie quiere ver, según la cita del escritor Bernard MacLaverty que da su título a esta perturbadorísima e hipnótica obra de arte. Fue magníficamente reinterpretada en 2003 por Gus Van Sant, quien la recontextualizó en la tragedia del tiroteo de Columbine y se inspiró de su estilo visual minimalista.

Fantastic Plastic Magazine

Director: Alan Clarke
Año: 1989
Duración: 37min

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Andrés Aguiló, amigo venezolano exiliado en Alemania, habla un poco sobre el nuevo fenómeno de cámaras DSRL mientras nos escapamos del ‘glamuroso’ Berlinale y nos dirigimos al mercado de pulgas en busca de lentes usados. Sí, es el mismo geek que escribió hace tiempo este artículo como introducción a esta nueva alternativa de alta defición digital. Días después, de vuelta a su hogar en Hamburgo (y yo al verano limeño), Andrés graba un demo en otro mercado de pulgas con la Panasonic GF-1 y lentes Canon FD, en este caso es el 28mm a F 2.8. (No se confundan que yo hice el videoblog con mi cámara Flip UltraHD de 150 dólares.)

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Desde su más tierna infancia, el director fue filmado por su familia. El ‘montaje neurológico’ de esas memorias nos permite sentir una versión de su vida, desde la armonía y audacia del aparente desorden de los más diversos fragmentos. Interrogación sobre la identidad y la naturaleza mutante de los recuerdos.

Entrevista en Cinencuentro.com al director sobre la película.

Director: Juan Daniel
Duración: 82 min.
País: Perú
Formatos: SVHS / Regular 8mm / MiniDV

Artículo escrito por Juan Daniel para el diario Daily Tiger del Festival de Rotterdam. / Article by Juan Daniel written for IFFR’s Daily Tiger.

I’m not going to talk about La teta asustada (The Milk of Sorrow) nor a Peruvian film industry, which by the way doesn’t exist. There’s money involved, as filmmakers and, of course, films, but none of these belong to or are part of us. We don’t have an identity as we don’t have a home nor fathers. The only thing that unites some of us is being film industry rejects that haven’t given up the biological need of making films.

After Claudia Llosa’s over valuated 2009 Berlinale victory, many politicians started to get immersed in the dark areas of our national film fund, CONACINE. Many are asking for more money as if it could be the solution to our problems, when many of the youngest and most promising directors have been left out of what seems to be a self -denominated V.I.P. party.

Is a national institution supposed to fund a filmmaker’s whole career? Isn’t it sad that someone with more than thirty years making films keeps applying to funds made for filmmakers that are still waiting for a chance? Shouldn’t we start to worry if our only feature film festival and CONACINE, belonging to a third world reality, don’t support small digital productions?

This format elitism is what disturbs me the most of the present of film, as if the size of canvas or the chosen technique differences a painting from a doodle. Anyone that is in the filmmaking business knows that the budget of a celluloid production could afford at least the making of two digital films. The procedure to solve this problem would be really easy in a society led by common sense: instead of having a national fund with five expensive rewards, reduce that number and add a strictly digital fund for low budget projects so you could at least double the number of winners.

Unfortunately, common sense isn’t a characteristic of Peruvian corrupted systems. It’s actually easier to create a new and autonomous system, than to fix the existent. The rejects and orphans are coming together, digital is no longer a celluloid wannabe, and the narrow-minded third world thematic is no longer a weapon for achieving European recognition. Something we’ve learned from the Philippine digital phenomenon is that new information democracy makes us able to create new expressions of cinema rather than copying first world aesthetics.

Tras algunos meses de proyectar mi película de 30 minutos, David Oct. ’99, en algunos cineclubes y festivales, he decidido estrenarlo online de manera libre y sin fines de lucro. Pero, a diferencia de obras anteriores, esta no la publicaré en un stream (llámese Youtube o Vimeo), ya que considero que le jugaría en contra al ritmo y atmósfera de la película. Sería como proyectar la película sobre una pared en medio de una calle peatonal.

Es por esto que la película podrá ser descargada gratuitamente vía torrent, para que la reproduzcan en su PC o quemen un DVD de video y lo vean en su TV. Si no estás acostumbrado a descargar torrents, recomiendo que le des una chequeada a este brevísimo tutorial.

Espero que disfruten y dejen sus comentarios al respecto.